ご挨拶
神楽坂バロック地区 音楽の友ホールへようこそ！
必ずバロックを含むプログラムを演奏していただき、古典派ロマン派や近現代の曲と
聴き比べて300年の時の流れを感じる企画も、今年で12回目を迎えました。

本日のピアノ、ベーゼンドルファー-インペリアルは通常の88鍵に低音が追加された97鍵。弾かれない追加の低音の弦の共鳴や巾の広い反響板、大きな蓋による反響で、
とてもよく響きます。田口先生のトークコンサートをおたのしみに。3・4部の８名が
弾かれるクラビコードはデリケートな音を出し、鍵盤楽器のルーツとも言われています。
最大最小の鍵盤楽器を聴き比べる機会は珍しく、実際に古楽器を弾く体験は、
モダンピアノを弾くタッチやイメージを豊かにしてくれるでしょう。

当ステップのもうひとつの特徴は、グランミューズの参加が多い事です。今回は25名。
トークコンサートの後も、ピアノ大好きで弾き続けてきた方ならではの、聴きごたえの
ある演奏を、是非お楽しみくださいませ。

目白カンタービレステーション スタッフ一同

（当日のプログラムより）

⇒スケジュール・プログラムはこちら

2018年11月8日（木）にサン＝オートムホールにて林　苑子先生をお招きし、「ヒダリテジョウズ「左手上手」になりませんか？」を開催いたしました。

　ユーモアも感じる興味深いタイトルで、ピティナの理事である林苑子先生のセミナーを開催しました。ピアノ演奏の土台となる左手を意識したレッスンを導入期から取り入れることを提案されました。先生のコンぺやステップでの審査の経験上、右手のメロディに左手の伴奏を付けると言った平面的な演奏が多いことから、左手が上手になれば立体的な演奏になるのではないか。その左手の練習をいかに面白くするかの様々なアイディアが盛り沢山のあっという間の充実の二時間でした。

　まず、自分の左手をよく観察し、手のひらや指の付き方に関心を持つ。良い形で写真を撮るのもおすすめ。紙鍵盤を使って「どんぐりころころ」「大きな栗の木の下で」を移調しながら、白鍵黒鍵の状況に応じて、指間を意識することを試みました。手のひら、腕の裏、肘、お尻、かかと等全身を使って、手首の高さをキープする姿勢が大切です。四期の左手の使い方では、ロマン派の伴奏形が複雑になること。中でも、「ショパンの『ノクターン』は、左手の練習が80%。左手が上手に弾ければ、自然に右手が歌える」という言葉に私自身も大変共感致しました。左手にも、チェロ、ホルン、ファゴットのイメージを持ち、音色豊かに弾くことが大切です。
　「毎日五分間左手コーナーを作ろう」という提案では、ギロックの『フランス人形』『秋のスケッチ』、チャイコフスキーの『病気のお人形』などを左手で弾いてみると、「つまらない...」と嘆く子供たちも左手の練習が楽しく続けられそうです。実際に林先生が演奏され、「両手で弾くより、より素敵な曲に感じる」という言葉に、受講者の皆さんも大きく頷いていました。
　非利き手を使うと、脳が活性化するというお話では、二刀流で有名な宮本武蔵の名前が出て、林先生の見識の広さと、適切で魅力的な言葉選びに惹きつけられました。

連休最終日の２０１８年５月６日（日）汐留ベヒシュタインサロンにて今井顕先生による「古典の風格を整えよう　vol.6　-実践編-古典期の課題曲による公開レッスン」セミナーが開催されました。

シリーズ６回目となりました今回は、ピティナピアノコンペティションの課題曲の中から 古典の曲を取り上げて、生徒さんたちにご協力いただき、公開レッスン方式で 楽譜の見方、解釈の仕方を紐解いていただきました。

課題曲は以下のとおり
・モーツアルト　ソナタ変ホ長調 KV282 終楽章（C級課題曲）
・ハイドン　　ソナタHob.XI:34 第一楽章（D級課題曲）
・ベートーヴェン　「水車小屋の娘」のアリアによる９つの変奏曲WoO69（D級課題曲）
・モーツアルト　ソナタ変ホ長調 KV282 第一楽章（E級課題曲）
・ベートーヴェン　ソナタ第21番Op.53 第一楽章 「ワルトシュタイン」

配布資料として、『レーオポルトが息子ヴォルフガングに教えたに違いないこと』 と、D級課題曲のベートーヴェンのヘンレ版と春秋社版のコピーが配られました。

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古典曲を弾く上での基本となる強弱のこと、拍のこと、スタッカートのことなど 楽譜の中から拾い上げて、一つ一つ丁寧に解説していただきました。 楽譜上の音符や符点などのリズム、速度記号などの音楽用語を、当時の文化、社会 また、作曲家の背景などを　時にはウイットに富んだエピソードで、わかりやすく教えていただき 曲のイメージを掴みやすいレッスンとなりました。

どの曲でも共通して私たちが陥りやすい事例として スタッカートや速いパッセージに多く見られる 『音の粒を揃える』ことに特化しすぎて無機質な音楽になってしまうということ それは日本語の発音にも関係があるそうで、スタッカートは『表情豊か』に、レガートは『大切に』 と捉えて注意深く音を聴きながら弾くこと 全ての音に意味があってそこに拍を感じ大切に心を込めて表現すること そこに散りばめられている音と音の間と空間を感じ取ること どんな気持ちでそれが書かれているのか、なぜその音符が使われているのか、 をいかに汲み取れるかが音楽的なセンスにつながるとのことでした。
また、使用楽譜によって随分と解釈が変わってしまうことも驚きでした。表現は自由といえども 古典の様式をきちんと理解した上で演奏するためには、やはり、原典版の楽譜を使って読み解く力を身につけることが大切だと思いました。 ハイドンに関しては、実はモーツアルトよりとてもロマンティックなのに、表現が乏しい演奏が多いとおっしゃっていたのも印象的です。

次回、１０月１２日のシリーズ７回目では、このハイドンについての解釈や表現方法を教えていただきます。 　今井先生の温かいお人柄とわかりやすく楽しいお話であっという間の２時間、生徒さんたちも、参加者の皆様も とても満足された表情で、次回を予約された方も多かったことが主催側にとって何より嬉しいことでした。 今井先生、ありがとうございました。また１０月よろしくお願いいたします。

2018年1月6日（土）汐留ベヒシュタインサロンにて今井顕先生をお招きし、「モーツァルトへのレシピ -古典の風格を整えよう Vol.５-」という題で講座が開催されました。

今回は『幻想曲を演出する　‐幻想曲K.397(d-moll)、K.475(c-moll)を題材として‐』というテーマ。 ファンタジー、それはモーツァルトにとってピアノを超えた世界であり、オペラのシーンを思わせる表現でもあること、オペラのセリフの間合いが大切なのと同様に、ピアノでもその間合いを表現していかないといけないこと。

シェイクスピアが、セリフに魂を込めろ！と言ったことが、同じように音に魂を込めろ！という気持ちが大切。
バッハもハイドンもモーツァルトも皆人間の心を持っていた。その心を音楽で表現したい、アナリーゼも規則も大事だが、もっと大切なのは人の心情を表現すること。そして、レオポルド・モーツアルトの言葉として『曲のアフェクトを感じる、それは音楽家の大切な感性』という印象深いお話が前置きにありました。

d-moll幻想曲では、出だしのAndanteには、英語のgoの意味があること。アリアの前の休符、静寂も音楽であること、」低音に見られる下降する音型は地獄に引き摺り下ろされるような恐怖！ 逃げ出したい感情、諦め、叫び、、、、、そして穏やかな微笑みのメロディー。 この暗から明への切り替えがまさしく天才モーツァルトであるところ！ そしてこの曲は初版譜では第97小節のい音上の七の和音で終わっていた、、そこから先は弟子が書いたのであろう。ただ内田光子氏のCDでは、彼女のオリジナルが付け加えられている。

一方、c-moll幻想曲では、モーツアルト直筆の楽譜を見ながら、c-moll 調号を書き入れながら消した後があること、モーツアルトが書き進んでいくうちに調号を使うことのは実際的でないことに気がついた。なぜならば、すぐに音楽はh-mollに転調していっているので、、、 参考資料として配られた直筆から、モーツアルトが側に居るような不思議な気分に浸った時間でした。

またここでも下降する軸のラインは、ドンジョバンニを思わせる地獄へと向かう恐怖、嵐のような音型に沿う２度音程には痛みが表現されている。対話風の音型にはそれぞれの登場人物の気持ちをいれて、、、など
今井先生の演奏からモーツァルト劇場に誘い込まれたようなセミナー、形にとらわれず、何よりも心で音楽を表現することの大切さを改めて思ったひとときでした。